Audiobuch

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Übersicht

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Verlag	:	INTERMUSIK SCHMÜLLING
Sprache	:	Deutsch, Englisch
Erschienen	:	1999
Seiten	:	24
Produktform	:	Audio-CD
ISBN	:	9783925572227

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Produktinformation

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The History of the Music in the States of the Former Soviet Union
The so-called Iron Curtain divided for decades the European peoples and impeded considerably the cultural exchange between the eastern and the western countries. Only very little of the music from the Soviet Union reached for example Western Germany. And besides it would be wrong to consider just one country, namely Russia, when we are speaking of the Soviet Union. This would obstruct the view to a comprehension of the many different musical roots of the peoples in this community of states. Maksim Gorky’s remark, the Russian song is the Russian history, does also apply to all the regions that preserved and developed their national characteristics of arts, music and culture, notwithstanding the political influences. Here we can start with the music of the Eastern Slav peoples, whose territories extend from the Carpathian mountains to the sources of the Volga and from the middle part of the Dnepr to the Finnish Gulf. Furthermore we have the Belorussian music in the western areas of the Kiev Rus, which is related with the Ukrainian traditional music, the elements of which also influenced the south of Belorussia. Also significant is the music of the Baltic countries, ranging from Estonia, Latvia and Lithuania. The oldest roots of the music can be found in the Transcaucasian and the central Asian areas of the Soviet Union, the homeland of the Gruzinians, Armenians, Azerbaijanis, Turkmens, Tadzhiks, Uzbeks, Kazakhs and Kirgizians. Especially the Tadzhik poet Abu Ali Ibn Sina, also known as Avicenna (980–1037), Abdul Qasim Firdausi (934–1020/26) and Abu Abdullah Rudaki (858–941) created many poems, that have been spread by folk singers through the centuries. The Kasakhs are considered to be a people that particularly like singing songs; one poet and composer among them, Abai Kunanbaev (1845–1904), said that every day in the steppes more songs are being created than flowers are blossoming in spring. Futhermore, the music of the national minorities are to be considered – among them for example the Abkhazian stanza folk song, the Bashkirian and Buryat Mongolian folk music for one voice, the strangely guttural male vocals of the Turvinians or the Dagestan couplet. Maksim Gorky once wrote that the music of the Zyryans, Buryats, Chuvashs, Mari, etc. seems like sources of amazing tunes flowing over the world. The music of these areas and peoples is based on very old traditions. Moreover, string and wind instruments have been created, which are mainly still unknown in the Western sphere; among them the following string instruments: komus, rubob, tanbur, panduri, tar, domra, kemancha, kobsa, kokle, diga and sas. The construction of these instruments reminds to a certain extent of their “sisters” violin, guitar, harp, mandolin, zither, etc.

The bayan is an extraordinary phenomenon in the East European music. It was no less than Peter Tchaikovsky who used even four bayans in the 3rd movement of his “Characteristic Suite” (op. 52), as an instrumental group in a symphonic orchestra, in order to emphasize the typical traditional element. The bayan is a B-system button accordion, which originated in the Soviet Union. The different versions range from instruments with two sets of reeds and three rows with standard basses to the five-reed and five-row concert bayans, which has also free basses in a peculiar system besides the standard ones, as well as treble, bass and chin switches. The musical development of the bayan runs parallel to the Russian piano school, that started in the 19th century and was mainly influenced by the composer Mikhail Glinka (1804–1857). His many journeys through Western Europe greatly stimulated his work, and finally it was a German, the music educator Siegfried Wilhelm Dehn (1799–1858) who showed Glinka the way to the national Russian music. The developments in the “bayanistics” run parallel. These musicians oriented themselves by the musical traditions of their people, and their musical skills with this instrument matured, not forgetting that the bayan is a folk music instrument.

A similar development can be seen in another folk music instrument, the domra. It was invented in the 15th century and it is considered as a variation of the lute, the reason why it is also called the Kirgizian long-neck lute. There are versions in six pitches and it is stringed with three metal strings. Historically, it originates from the Arabian tanbur. The domra as well – similar to the bayan – came away from the mere folk music instrument and became established in the more demanding music.

This CD presents a seldom heard synthesis of the powerful sounding bayan and the two domras as soft plucked instruments. Here we find the basis of further development and perspectives concerning the plucked and harmonica music. And despite the different programmatic contents of these compositions, in terms of instrumentation we hear – in the original sense of the word – chamber music. Due to the extraordinary musical quality and the passionate performance, one can speak of a new creation of the past masters’ works, without detracting from the faithful rendition.


The performers
Vladimir Balyk
was born in the Ukraine in 1958. He began playing music on the bayan at the age of eight, and today he is one of the most outstanding performers of accordion chamber music. In 1977 he finished the music high school at Ternopol (in the class for instrumental music with Aleksandra Gorbachëva). In 1982 he took his exams at the Conservatory of Lvov with Prof. Mikhail Oberyukhtin, and in 1986 he graduated successfully from the Gnesin Academy of Music at Moscow with Prof. Vyacheslav Belyakov. In 1987 he moved to Astrakhan in southern Russia to become a teacher at the State Conservatory, where he was appointed professor in 1995. In the same year he began a visiting professorship at the Ino Mirković Musical Academy in Lovran, Croatia.
Vladimir Balyk composed original works as well as many interpretations for the bayan accordion. Besides he is the author of publications dealing with different themes of music and problems of interpreting bayan music.
In 1977 he performed his first solo concert. In 1981 he was awarded a prize at the Vogtländische Musiktage at Klingenthal (East Germany). In the following time he toured through the Soviet Union and abroad. In 1994 he was awarded the honorary title of an “Outstanding Artist of Russia”.
In the 90’s, beside the solo concerts, he performed more and more chamber music. In 1996, for example, his contact with the drummer Aleksey Ralo (prizewinner at the International Astor Piazzolla Competition in Castelfidaro, Italy, and at the Vogtländische Musiktage in Klingenthal, Germany) was particularly successful, when they performed concerts as a duo. They enlarged their artistic repertoire considerably, containing works of composers such as Zolotarëv, Gubaidulina and Piazzolla.

Natalya Balyk
was born in Kazakhstan in 1959. She belongs to the young generation of performers who convey, with their extraordinary technical brilliance and a first-class musical interpretation, a new and higher image to the Russian folk music instruments – as in this case: the domra – an image that only the “classical” instruments (piano, violin, etc.) could achieve. In 1978 Natalya Balyk finished the music high school at Vladimir; in 1983 she graduated from the Astrakhan Conservatory in the class for instrumental music of Prof. Yuri Noskov, and in 1987 she passed with distinction her candidacy at the St. Petersburg Conservatory with Prof. Ivan Zhitenkov.
Due to her extraordinary musical talent, she got a teaching post at he Astrakhan Conservatory already during her student days, in 1982. In 1996 she became a lecturer there. Natalya Balyk has given many concerts, both as a soloist and as a concertmaster of the Astrakhan Philharmonic Orchestra. In 1987 she married Vladimir Balyk.

Natalya Vorobinova
was born in 1970. She attended the music high school at Novomoskovsk and in 1989 she took her exams there with great success in her main subject domra. Then she studied at the Astrakhan Conservatory in the class for instrumental music of Natalya Balyk (domra), where she passed with distinction in 1994. Several engagements followed both as a solo performer and in the Astrakhan Philharmonic Orchestra.

The Nata bene Trio
The considerable political and social reforms that came over the Soviet Union from the early 90’s made itself felt like a shock therapy on almost every aspect of everyday life – also in art and music. All the relations and connections that had existed over the decades in the cultural life of the Soviet Union within the organisations, institutions and performers, were disturbed with the new social order. Concert tours and plans and many other things were put off or cancelled. The national music publishers closed down and sheets of music were no longer printed. The performers’ repertoire became shallow and populist; many musicians went abroad. Those who stayed in the Soviet Union respectively the successor states had to get used to the new circumstances and had to find other ways for making a living.
Considering this background and his success in the past years, at the end of 1992 Vladimir Balyk had the idea to found a little and compact ensemble of instrumental soloists. It should be mobile and it should differ clearly from the others as to instrumentation and repertoire: the Nata bene Trio. Although they primarily focus on the demanding and classical chamber music, they are also convincingly open to folk and vaudeville music, including even jazz; and so they cover in a first-class performance quite different styles from other areas and nations of the world.
The name should meet with the program. Balyk remembered the Latin “notabene”, which means “note well” and made it the name of the trio.
He wanted to explain to the audience that the music of his ensemble is “worth keeping in mind”.
Later he slightly modified the name alluding to the special performance of the two ladies, both of whom are called Natalya, and so he changed nota to nata. And with this name he created an unmistakable “trademark”. The first rehearsal of the “Soloist Ensemble Nata bene of the National Philharmonic Orchestra of Astrakhan” – as they called themselves then – took place on the 5th of January 1993. In just one year they got prizes at the three famous international competitions: at the “Premio Città” of Castelfidaro (Italy), at the “Grand Prix” of Andrézieux-Bouthéon (France) and at the “Vogtländische Musiktage” in Klingenthal (Germany). Meanwhile they have developed to an outstanding trio of international importance, who belong to the most successful ensembles of Russian folk music instruments. This is reflected in a remarkable press:

“It is not a trio of typical instrumentation ... whatever they play, it sounds like something special, extraordinary, exquisite. Each member of the ensemble is of course an outstanding virtuoso; but the essential part of this ensemble is not the technical perfection, but the necessary freedom for creativity. The musicians are united by a mental similarity, that conveys the special aura of the ensemble.”
Prof. Margarita Khrushchëva, Astrakhan Conservatory, Russia

“The trio embodies talent, diligence, perseverance and masterliness. Like a sea of scattered pearls appear the brilliantly played passages, the sensitive intonated harmonies and instrumental timbres. A really unlimited range of sentiments, inimitable in their finesse, their splendor and their beauty is presented to the listener. The feeling for proportions and artistic taste is shown in every respect. Hans von Bülow’s legendary remark ‘At the beginning there was rhythm’ is impressively proved by the trio with its fascinating rhythmic organisation, its synchronic musical breath and organic phrasing.”
Prof. Ekaterina Frangulova, Astrakhan Conservatory, Russia

“... Nata bene ... that is one of the best ensembles in Russia. Its brilliance is characterised by watercolor-like elegance, exquisite sound, a wide range of dynamic timbres, brilliance and great exactness to the details.”
Prof. Mikhail Imkhanitsky, Gnesin Institute, Moscow

“... They are well-known for their brilliant performances, their special homogeneous character, their verve and the refined humor of their conductor. The arrangements show great discipline as to the instrumentation, to their impressive musical proficiency and remarkable musicality. The magic and virtuosity of the trio create with only few instruments the atmosphere of a full orchestra.”
Eugenia Marini, Bergamo (Italy)

“The performers of the Nata bene Trio stand out from the many ensembles of folk music instruments with their exceptional appearance. The group is not tempted into clowneries, circus tricks, show elements or shallow vaudeville, which is unusual in the genre of folk music instruments; it even gives a modern impression. The three musicians have a good taste in using the traditions of the classical chamber ensemble and so they try out new avenues in that direction.”
Prof. Friedrich Lips, Gnesin Institute, Moscow

The Music

Antonio Vivaldi (1678–1741)
Vivaldi composed the Concert in G major for two mandolins and basso continuo, which is still very popular today. Gian Francesco Malipiero (Italy, 1882–1973) arranged the concert for two mandolins, string orchestra and organ. This arrangement was the starting point for Vladimir Balyk version on this CD, prepared for two domras and accordion. A composition of timeless and classical elegance, which is interpreted perfectly by the ensemble.

Felix Mendelssohn Bartholdy (1809–1847)
The “Scherzo” from the “Midsummer Night’s Dream” for symphonic orchestra has become an integral part in the concert programs of many different chamber music ensembles as well as of soloists, and therefore it is played in the most different arrangements. The Nata bene Trio tries to achieve utmost authenticity in their interpretations. An unconditional maxim for the three virtuosos was to keep the original artistic spirit in their music. In their reviews, the music critics speak of the trio’s magic art of achieving the atmosphere of a symphonic orchestra.

Nikolay Rimsky-Korsakov (1844–1908)
The “Scherzo” form the opera “The Fairytale of the Tsar Saltan” was composed in November 1899 and it was spread worldwide under the title “The Flight of the Bumblebee”. This piece is assigned to Rimsky-Korsakov’s so-called fifth artistic period (1897–1903), in which the composer devoted himself to experimentation, trying the limits of harmony almost up to decadence. Nevertheless this is a convincing composition because it is just not experimental. Vladimir Balyk’s arrangement for bayan and two domras, presented on this CD, impresses with its unique instrumentation as well as with its stereo effects, which the musicians made skillfully use of to interpret the buzz of the bumblebees as it were an acoustic three-dimensional picture.

Václav Trojan (1907–1983)
The Czech composer gained great importance with his film musics. Many national and international awards prove his success. In 1948 he composed “The Emperor’s Nightingale” as music for an animated cartoon (after a fairytale with the same title by Hans Christian Andersen), which is a result of Trojan’s very fruitful cooperation during decades with the painter Jiri Trnka. The expressive melodies partly remind of folk songs and convey a poetical atmosphere to the composition. Trojan’s ability to describe the characters by his music has become a specific art form of remarkable quality. The success of this piece over the years prompted the composer to arrange the music as an orchestra suite and later also as a suite for violin, guitar and accordion (1971). On the one hand the composition flashes with vividness and subtle humor, and on the other hand it admits a soft melancholy when the plot requires it. Vladimir Balyk chose seven movements from the suite and arranged them for his ensemble, the result of which is almost an original composition.

Viktor Poltoratsky (1949–1985)
Over many years Poltoratsky has composed many outstanding pieces – compositions as well as arrangements – for the world-famous ensemble “The Moscow Virtuosos”, conducted by Vladimir Spivakov. The “Musical Souvenir”, a ragtime for violin and wind instruments, was the special piece of Spivakov and his orchestra, that really fascinated the audience. Vladimir Balyk’s arrangement, complemented by witty musical ideas, is an often played (and integral) part in the repertoire of the Nata bene ensemble, especially as an encore.

Scott Joplin (1868–1917)
The “Ragtime” on this CD was composed by Scott Joplin in 1899 and became famous all over the world under the title “The Entertainer”. This piece is heard almost everywhere in countless arrangements, variations and instrumentations. So it is remarkable that Vladimir Balyk has created a witty and original arrangement, which is unique in its musical spirit. And the brilliant performance of the musicians puts the finishing touch to this arrangement.

Fernand Lacroix (* 1919)
In 1996 the “Phantasy” was created by the renowned Swiss composer, educator and virtuoso of the accordion Fernand Lacroix, especially for the Nata bene ensemble. Its is a lively and amusing composition, that with its energy comes up to a merry musical spectacle. Here Lacroix falls back on elements of his earlier compositions and created a collage of its own, placed between lullaby, waltz and polka, which reminds of Peter Tchaikovsky’s works.

Ivan Yashkevich (* 1923)
The art of the arrangement for the bayan accordion of the Ukrainian composer, performer and educator is world-famous and considered to be unequalled in this category. Less known, however, are Ivan Yashkevich’s – no less high-calibre – original compositions, of which the Nata bene ensemble presents the “Estonian Dance”. Here as well, the composer knows in his special manner how to consider the peculiarities of the different instruments and to put their advantages in a favorable light. The composition is brilliant in its modesty. Performed in a rhythmic and traditional manner, appear the landscapes of Estonia, swaying ears, flax and farmboys and farmgirls dancing with each other.

Aleksandr Tsygankov (* 1933)
In Russia he is well-known as an outstanding domra player and composer. Tsygankov has written many original compositions for the Russian folk music instrument orchestra and he has created numerous arrangements of songs and dances of the different nations and peoples of the world.
In the “Karelo-Finnish Polka” Tsygankov uses different motifs and melodies from the ethnic area of Karelia and Finland. Vladimir Balyk has arranged this short and sparkling polka for “his” players in his own witty and imaginative manner. Also Tsygankov’s second composition – “Dunyasha” –, with many motifs taken from the folk music, has been “designed” brilliantly by Balyk for his musicians. The phantasy-like composition presents a playful cheerfulness, which passes through the wide range of music and feelings.

Vladimir Ditel (1907–1979)
Similar to Tsygankov, the music played by folk music instruments was Vladimir Ditel’s artistic field. He was one of the leading composers for orchestra of Russian instruments, who brought innumerable folk melodies skillfully in musical forms. The composition “Korobeyniki” has become something like a national song in Russia. The text was written by the famous Russian poet Nikolay Nekrasov; and the music was composed by the people, centuries ago. Ditel – and finally – Balyk have brought the tunes together to a attractive and brilliant masterpiece, which makes the Russian soul acoustically accessible to the listener.Die Geschichte der Musik in den Ländern der ehemaligen Sowjetunion
Der sogenannte Eiserne Vorhang trennte über Jahrzehnte hinweg die europäischen Völker und behinderte den kulturellen Austausch zwischen Ost und West erheblich. Was aus der Sowjetunion an Musik in die Bundesrepublik Deutschland gelangte, war daher außerordentlich gering. Und es wäre überdies falsch, wenn man unter Sowjetunion nur ein Land, nämlich Rußland, versteht. Damit würde man sich den Blick für ein Verständnis der zahlreichen unterschiedlichen musikalischen Stränge der in diesem Staatensystem zusammengefaßten Völkerschaften verstellen. Der Ausspruch Maxim Gorkis, daß das russische Lied die russische Geschichte sei, besitzt daher auch für alle diejenigen Gebiete Gültigkeit, die ihre nationalen Eigenarten von Kunst, Musik und Kultur jenseits aller politischen Strömungen bewahrten und weiter herausgebildet haben. Hier kann man bei der Musik der ostslawischen Völker beginnen, deren Territorium, die osteuropäische Ebene, von den Karpaten bis zu den Quellflüssen der Wolga und vom mittleren Dnjepr bis zum finnischen Meerbusen reicht. Ferner existiert die weißrussische Musik in den westlichen Gebieten der Kiewer Rus. Mit dieser verwandt ist die ukrainische Folkore, deren Elemente auch den Süden Weißrußlands beeinflußten. Eine besondere Bedeutung kommt der Musik der baltischen Völker zu, deren Einzugsbereich sich auf die Staaten Estland, Lettland und Litauen erstreckt. Die ältesten Stränge der Musik wurzeln in den transkaukasischen und mittelasiatischen Gebieten der Sowjetunion. Das ist die Heimat der Grusinier, Armenier, Aserbaidschaner, Turkmenen, Tadschiken, Usbeken, Kasachen und Kirgisen. Gerade die tadschikischen Dichter Abu Ali Ibn Sina, auch Avicenna genannt (980–1037), Abdul Qasim Firdausi (934–1020/26) und Abu Abdullah Rudaki (858–941) schufen viele Werke, die von Volkssängern verbreitet und über Jahrhunderte hinweg weitergegeben wurden. Als ganz besonders singefreudig gelten die Kasachen, von denen der aus ihren Reihen stammende Dichter und Komponist Abai Kunanbajew (1845–1904) behauptete, daß in den Steppen täglich mehr Lieder aufkämen als Blumen im Frühling. Weiterhin sind die Musiken der nationalen Minderheiten zu berücksichtigen. Zu ihnen gehören beispielsweise das strophische Volkslied der Abchasier, die einstimmige Volksmusik der Baschkiren und der Burjat-Mongolen, der eigenartige kehllautige Männergesang der Turwiner oder das Couplet der Dagestaner. Maxim Gorki schrieb einmal, daß die Musik der Syrjanen, Burjaten, Tschuwaschen, Mari usw. sich wie Quellen verblüffend schöner Weisen über die Welt auftäten. Die Musik dieser Gebiete und Stämme basiert auf sehr alten Traditionen. Zudem bildete sich ein Instrumentarium an Saiten- und Blasinstrumenten heraus, das der westlichen Sphäre eigentlich bis heute weitgehend unbekannt geblieben ist. An Saiteninstrumenten entwickelten sich z. B. Komus, Rubob, Tanbur, Panduri, Tar, Domra, Kemantscha, Kobsa, Kokle, Diga und Sas. Die Bauweise dieser Instrumente erinnert in gewisser Weise an ihre Schwestern Geige, Gitarre, Harfe, Mandoline, Zither usw.

Eine außergewöhnliche Erscheinung stellt in der östlichen Musik das russische Bajan dar. Kein geringerer als Pjotr Tschaikowski setzte gleich vier Bajans in dem 3. Satz seiner „Charakteristischen Suite“ (op. 52) als Instrumentalgruppe im Sinfonieorchester ein, um damit das typisch Völkische besonders hervorzuheben. Bei dem Bajan handelt es sich um den Typus eines ausschließich in der Sowjetunion beheimateten B-Griff-Knopfakkordeons. Die Palette der Ausführungen reicht dabei vom einfachen zweichörigen und dreireihigen Instrument mit gekoppelten Bässen (Standardbässen) bis zum fünfchörigen und fünfreihigen Konzertbajan, das neben den gekoppelten Bässen auch über ungekoppelte Bässe (Melodiebässe) in ganz bestimmter Anordnung verfügt und mit Diskant-, Baß- und Kinnregistern ausgestattet ist. Das Bajan steht in seiner musikalischen Entwicklung in der Tradition der Russischen Klavierschule, die ihren Anfang im 19. Jahrhundert nahm und in dem Komponisten Michail Glinka (1804–1857) ihren zentralen Pol hatte. Seine zahlreichen Reisen durch Westeuropa befruchteten sein Schaffen immens, und letztlich war es ein Deutscher, der Musikpädagoge Siegfried Wilhelm Dehn (1799–1858), der Glinka dann den Weg zur nationalrussischen Musik zeigte. Parallel dazu verliefen die Entwicklungen in der Bajanistik. Die hier tätigen Musiker orientierten sich an den musikalischen Traditionen ihres Volkes und bildeten ihr Instrumentalspiel entsprechend zu einer anspruchsvollen Kunst aus, ohne dabei zu vergessen, daß das Bajan ein Volksinstrument ist.

Ähnlich verhielt es sich mit der künstlerischen Entwicklung des altrussischen Volksmusikinstruments, der Domra. Sie stammt aus dem 15. Jahrhundert und gilt als eine Abart der Laute. Daher auch die Bezeichnung „kirgisische Langhalslaute“. Sie kommt in sechs Tonlagen vor und ist stets mit drei Metallsaiten bespannt. Entwicklungsgeschichtlich entspringt sie dem arabischen Tanbur. Auch die Domra hat sich, ähnlich dem Bajan, von ihrem Status des ausschließlichen Volksmusizierens gelöst und ist zu einem etablierten Instrument in der Kunstmusik geworden.

Die vorliegende CD verkörpert eine bisher selten vernommene Synthese zwischen dem klanglich kraftvollen Bajan und den filigranen Zupfinstrumenten, den zwei Domras. So wird hiermit der Boden für weitere, perspektivenreiche Entwicklungen auf dem Gebiet der Zupf- und Harmonikamusik bereitet. Und trotz der unterschiedlichen programmatischen Inhalte der einzelnen eingespielten Kompositionen erklingt hier von der Besetzung her im ursprünglichen Sinne des Wortes Kammermusik. Aufgrund der herausragenden künstlerischen Qualität der Interpreten und des hingebungsvollen Engagements läßt sich tatsächlich von einem Nachschaffen der Werke der hier vertretenen Meister sprechen, ohne daß dabei die Treue zum Werk erschüttert würde.

Die Interpreten
Wladimir Balyk
1958 in der Ukraine geboren. Er begann als 8jähriger mit dem Musizieren auf dem Bajan-Akkordeon und zählt heute international zu den herausragenden Interpreten von Akkordeon-Kammermusik. 1977 beendete er das Musik-Gymnasium in Ternopol (in der Instrumentalklasse bei Alexandra Gorbatschowa), 1982 examinierte er am Konservatorium von Lwow bei Prof. Michail Oberjuchtin und 1986 beendete er schließlich mit Erfolg seine Aspirantur an der Gnessin-Musikakademie in Moskau bei Prof. Wjatscheslaw Beljakow. 1987 zog es ihn dann in die südrussische Stadt Astrachan, um als Lehrer am Staatlichen Konservatorium tätig zu werden. 1995 wurde er dort zum Professor ernannt. Ebenfalls im Jahre 1995 begann er eine Gastprofessur an der Ino-Mirković-Musikakademie in Lovran, Kroatien.
Wladimir Balyk ist Komponist von Originalwerken wie aber auch zahlreicher Bearbeitungen für das Bajan-Akkordeon. Ferner ist er als Autor von Schriften zu unterschiedlichen musikspezifischen Themen und interpretatorischen Problemen der Bajanistik in Erscheinung getreten.
Als Instrumentalsolist gab er 1977 sein erstes Solokonzert. 1981 ging er bei den Internationalen Vogtländischen Musiktagen in Klingenthal (DDR) als Preisträger hervor. In der Folgezeit unternahm er Konzertreisen durch das In- und Ausland. 1994 wurde ihm der Ehrentitel „Verdienter Künstler Rußlands“ zuerkannt.
In den 90er Jahren folgten neben den Solokonzerten vermehrt kammermusikalische Engagements. So war zum Beispiel von 1996 an die Verbindung mit dem Schlagzeuger Alexej Ralo als Duo besonders erfolgreich (Preisträger bei dem Internationalen Astor-Piazzolla-Wettbewerb in Castelfidardo, Italien, und bei den Vogtländischen Musiktagen in Klingenthal, Deutschland). Das künstlerische Repertoire erweiterte sich beträchtlich und umfaßt Werke von Solotarjow über Gubaidulina bis Piazzolla.

Natalja Balyk
Geboren 1959 in Kasachstan. Sie gehört zu der jungen Generation von Interpreten, die mit einer ausgezeichneten technischen Virtuosität und einer erstklassigen musikalischen Interpretationskunst den traditionsreichen russischen Volksinstrumenten, wie hier der Domra, ein neues, künstlerisch anspruchsvolles Bild vermitteln, wie dies früher nur den klassischen Instrumenten (Klavier, Violine etc.) vorbehalten war.
1978 beendete Natalja Balyk das Musik-Gymnasium in der Stadt Wladimir, 1983 examinierte sie am Konservatorium in Astrachan in der Instrumentalklasse von Prof. Juri Noskow, und 1987 beendete sie mit Auszeichnung die Aspirantur am Konservatorium von St. Petersburg bei Prof. Iwan Schitenkow.
Aufgrund ihrer außerordentlichen musikalischen Begabung begann sie bereits als Studentin im Jahre 1982 am Konservatorium von Astrachan zu unterrichten. 1996 wurde sie dort Dozentin. Natalja Balyk kann eine ausgedehnte Konzerttätigkeit sowohl als Solistin wie auch im Orchester der Philharmonie von Astrachan als Konzertmeisterin vorweisen. 1987 heiratete sie Wladimir Balyk.

Natalja Worobinowa
Geboren 1970. Sie besuchte das Musik-Gymnasium in Nowomoskowsk und examinierte dort im Hauptfach Domra im Jahre 1989 mit großem Erfolg. Anschließend studierte sie am Konservatorium von Astrachan in der Instrumentalklasse von Natalja Balyk (Domra) und beendete diese mit Auszeichnung im Jahre 1994. Es folgten verschiedene Engagements als Solo-Interpretin wie auch im Orchester der Philharmonie von Astrachan.

Das Nata-bene-Trio
Die erheblichen politischen und gesellschaftlichen Reformen, die mit Beginn der 90er Jahre in der Sowjetunion einsetzten, haben sich in allen Bereichen des Lebens wie eine Schocktherapie ausgewirkt. So auch im Bereich der Kunst und Musik. Alle Beziehungen und Verbindungen, die es im Kulturleben der Sowjetunion innerhalb der Organisationen, Institutionen und konzertierenden Künstler über Jahrzehnte gegeben hatte, wurden mit der neuen Gesellschaftsordnung empfindlich gestört. Konzertreisen, Tourneepläne u.v.a.m. wurden verschoben oder aufgelöst. Die staatlichen Musikverlage stellten ihre Tätigkeit ein, und der Notendruck hörte auf zu existieren. Das Repertoire der Künstler wurde seicht und populistisch, viele Musiker emigrierten ins Ausland. Diejenigen, die in der Sowjetunion bzw. den Nachfolgestaaten geblieben sind, mußten sich an die neuen Lebensumstände gewöhnen und andere Wege zum Überleben finden.
Vor diesem Hintergrund und letztlich auch durch den Blick auf den künstlerischen Erfolg der vergangenen Jahre kam Wladimir Balyk Ende des Jahres 1992 die Idee zur Gründung eines kleinen, kompakten Ensembles aus Instrumentalsolisten. Es sollte räumlich gut beweglich sein und sich in seiner Besetzung und seinem Repertoire schnell und deutlich von anderen unterscheiden: das Nata-bene-Trio. Primär konzentriert es sich zwar auf die anspruchsvolle und klassische Kammermusik, darüberhinaus jedoch öffnet es sich mit Überzeugung auch der Volks- und Varieté-Musik bis hin zum Jazz, um damit ganz unterschiedliche Stilrichtungen aus verschiedenen Regionen und von anderen Nationen der Welt zu erfassen und künstlerisch erstklassig darzubieten.
Der Name sollte dem Programm gerecht werden. Balyk erinnerte sich an das lateinische „notabene“, was übersetzt „merke wohl!“ bedeutet, und machte dies zum Namen für das Trio.
Er wollte damit dem Publikum erklären, daß ihm mit dem Ensemble etwas „merkenswertes“ zu Gehör kommt.
Einige Zeit später wandelte er diesen Namen geringfügig ab, als er der besonderen künstlerischen Leistung der beiden Damen gerecht werden wollte und in Anlehnung an ihre beiden Vornamen – Natalja – das nota zu einem nata veränderte. Damit war dann auch ein unverwechselbares Markenzeichen geschaffen. Die erste Probe des „Solisten-Ensembles Nata bene der Staatlichen Philharmonie von Astrachan“, wie es sich dann nannte, fand am 5. Januar 1993 statt. In nur einem Jahr gelang es ihm, bei drei renommierten internationalen Wettbewerben als Preisträger hervorzugehen: beim „Premio Città“ von Castelfidardo (Italien), beim „Grand Prix“ von Andrézieux-Bouthéon (Frankreich) und bei den „Vogtländischen Musiktagen“ in Klingenthal (Deutschland). Inzwischen hat sich das Trio zu einem herausragenden Klangkörper von internationaler Bedeutung entwickelt und gehört zu den erfolgreichsten Ensembles russischer Volksmusik-Instrumente der Gegenwart, was sich in bemerkenswerten Kritiken und Rezensionen widerspiegelt:

„Es ist kein Trio von typischer Besetzung ... was auch immer sie spielen, es klingt stets wie etwas besonderes, außergewöhnliches, exquisites. Natürlich sind die Mitglieder des Ensembles allesamt hervorragnede Virtuosen, aber die Essenz – das Wesentliche – des Ensembles ist nicht etwa die technische Perfektion, sondern das ist die notwendige Freiheit für die Kreativität. Die Musiker verbindet eine innere, geistige Ähnlichkeit, die die spezielle Aura des Ensembles ausmacht.“
Prof. Margarita Chruschtschowa, Konservatorium in Astrachan, Rußland

„Das Trio verkörpert in sich Talent, Fleiß, Ausdauer und Meisterhaftigkeit. Wie ein Meer von dahingestreuten Perlen erscheinen die meisterhaft gespielten Passagen, die sensiblen Intonationen der Harmonien und instrumentalen Klangfarben. Eine wahrhaft grenzenlose Palette von Stimmungen, unwiederholbar, unnachahmlich in ihrer Feinheit, ihrem Glanz und ihrer Schönheit eröffnet sich dem Hörer. Wahrhaftig zeigt sich das Gefühl der Musiker für Proportionen und artistischen Geschmack in jeder Beziehung. Hans von Bülows legendärer Ausspruch ‚Am Anfang war der Rhythmus‘ wird von dem Trio in seiner faszinierenden rhythmischen Organisation, seiner synchronen musikalischen Atmung und organischen Phrasierung eindrucksvoll bestätigt.“
Prof. Jekaterina Frangulowa, Konservatorium in Astrachan, Rußland

„... Nata bene ... das ist eines der besten Ensembles in Rußland. Seine interpretatorische Meisterhaftigkeit charakterisiert man mit aquarellhafter Feinheit, auserlesenem Klang, reicher und dynamisch breiter Timbrepalette, großer Detailgenauigkeit und glänzender Virtuosität.“
Prof. Dr. Michail Imchanizki, Gnessin-Institut Moskau

„... Es ist bekannt für seine meisterhaften Interpretationen, seinen besonderen homogenen Charakter, das glänzende Temperament und den geschliffenen Humor seines Leiters. Seine Arrangements zeugen von großer Disziplin bei der Instrumentation, eindrucksvoller musikalischer Kunstfertigkeit und beachtlicher Musikalität. Die Magie und Virtuosität des Trios erzeugt mit nur wenigen Instrumenten die Atmosphäre eines Großen Orchesters.“
Eugenia Marini, Bergamo (Italien)

„Die Interpreten des Nata-bene-Trios treten mit einem Gesicht von nicht gewöhnlichem Ausdruck zwischen den vielen Volksinstrumenten-Ensembles hervor. Diese Gruppe läßt sich nicht zu Clownerien, Zirkustricks, Showelementen und seichtem Varieté hinreißen. Im Bereich des Volksinstrumenten-Genres ist dies ungewöhnlich, ja es wirkt sogar modern. Die drei Musiker bedienen sich vielmehr mit großem Geschmack der Traditionen des klassischen Kammerensemble-Musizierens und gehen damit neue Wege in dieser Richtung.
Prof. Friedrich Lips, Gnessin-Institut Moskau

Die Musik
Antonio Vivaldi (1678–1741)
Das Konzert in G-Dur hatte Vivaldi für zwei Mandolinen und Basso continuo geschrieben und damit ein Werk geschaffen, das sich auch heute noch großer Beliebtheit erfreut. Der Italiener Gian Francesco Malipiero (1882–1973) bearbeitete das Konzert für die Besetzung zwei Mandolinen, Streichorchester und Orgel. Diese Bearbeitung war für Wladimir Balyk Ausgangspunkt für die hier von ihm vorgestellte Version für zwei Domras und Akkordeon. Ein Werk von zeitloser klassischer Schönheit und Eleganz, das von dem Ensemble in einer ebensolchen Weise interpretiert wird.

Felix Mendelssohn Bartholdy (1809–1847)
Das „Scherzo“ aus dem „Sommernachtstraum“ für Sinfonisches Orchester hat in den Konzertprogrammen zahlreicher verschiedener Kammermusik-Ensembles wie auch Solisten seinen festen Platz gefunden und ist demnach auch in den unterschiedlichsten Bearbeitungen zu hören. Das Nata-bene-Trio ist in seiner Interpretation um größtmögliche Authentizität bemüht. Der künstlerische Geist des Originals war den drei Virtuosen die unbedingte Maxime. Um seine bestmögliche musikalische Umsetzung waren sie bemüht. In ihren Rezensionen sprechen die Musikkritiker von der magischen Kunst des Trios, die Atmosphäre eines Sinfonieorchesters kunstvoll zu erreichen.

Nikolai Rimski-Korsakow (1844–1908)
Das „Scherzo“ aus der Oper „Das Märchen vom Zaren Saltan“ wurde im November 1899 geschaffen und fand unter dem Titel „Hummelflug“ weltweit Verbreitung. Das Werk wird der sogenannten fünften Schaffensperiode Rimski-Korsakows zugeordnet (1897–1903), in der sich der Komponist dem Experimentieren hingab und die Grenzen der Harmonik nahezu bis zur Dekadenz ausreizte. Dennoch überzeugt das Werk, weil es gerade nicht experimentell ist. Die hier vorliegende Bearbeitung von Wladimir Balyk für Bajan und zwei Domras ist nicht nur aufgrund der einzigartigen Instrumentierung von besonderem Reiz, sondern auch aufgrund der tontechnischen Stereoeffekte, derer sich die Musiker sehr kunstvoll bedienen, um damit das Schwirren der Hummeln gleichsam in Form eines akustischen 3-D-Bildes plastisch darzustellen.

Václav Trojan (1907–1983)
Der tschechische Komponist erlangte besonders mit seinen Filmmusiken weitestreichende Bedeutung; zahlreiche nationale und internationale Preise belegen seinen Erfolg. „Des Kaisers Nachtigall“ ist 1948 als Musik für einen Zeichentrickfilm nach der gleichnamigen Märchenerzählung von Hans Christian Andersen entstanden und ein Ergebnis der sehr fruchtbaren und Jahrzehnte dauernden Zusammenarbeit Trojans mit dem Maler Jiri Trnka. Die ausdrucksvollen, zum Teil an Volkslieder erinnernden Melodien geben der Komposition eine poetische Atmosphäre; die Fähigkeit Trojans, Charaktere musikalisch zu beschreiben, ist zu einer eigenen Gattung von bemerkenswerter Qualität geworden. Der Erfolg, den auch dieser Titel im Laufe der Zeit erreicht hatte, veranlaßte den Komponisten, die Musik als Orchester-Suite zu komponieren und später dann auch als Suite für Violine, Gitarre und Akkordeon (1971) zu fassen. Das Werk sprüht vor Lebendigkeit und tiefsinnigem Humor einerseits, läßt aber auch leichte Melancholie als Variante sehr wohl zu, wenn es die Programmatik erfordert. Wladimir Balyk wählte aus der Suite sieben Sätze aus und bearbeitete sie für sein Ensemble. Fast eine Originalkomposition.

Viktor Poltorazki (1949–1985)
Poltorazki hat im Laufe vieler Jahre zahlreiche glänzende Werke – Kompositionen wie Bearbeitungen – für das weltberühmte Ensemble „Die Moskauer Virtuosen“ unter der Leitung von Wladimir Spiwakow geschaffen. Das „Musikalische Souvenir“, ein Ragtime für Violine und Blasinstrumente, war eine Art spezieller Visitenkarte von Spiwakow und seinem Orchester, von der das Publikum stets regelrecht gefesselt wurde. Musikalisch ergänzt durch geistreich-witzige Ideen ist die Bearbeitung von Wladimir Balyk ein vielgespielter (fortwährender) Bestandteil des Repertoires des Ensembles Nata bene, besonders als Zugabe.

Scott Joplin (1868–1917)
Der hier zu hörende „Ragtime“ wurde 1899 von Scott Joplin geschaffen und trat unter dem Titel „The Entertainer“ seinen Siegeszug um die ganze Welt an. In unzähligen Bearbeitungen, Varianten und Instrumentierungen ist diese Komposition fast allgegenwärtig. Umso bemerkenswerter ist es, daß Wladimir Balyk hier eine Bearbeitung gelungen ist, die vor Einfallsreichtum blüht und in ihrem musikalischen Esprit einzigartig ist. Die virtuose Darstellungskunst der Musiker vermag ein übriges zu leisten und gibt dem Werk den letzten Schliff.

Fernand Lacroix (* 1919)
Die „Fantasie“ wurde von dem namhaften Schweizer Akkordeon-Virtuosen, -Pädagogen und -Komponisten Fernand Lacroix im Jahre 1996 speziell für das Ensemble Nata bene geschrieben. Es ist eine ausgelassene, heitere Komposition, die durch ihren vitalen Charakter an die Grenzen eines fröhlichen, musikalischen Spektakels heranreicht. Lacroix griff hier auf Elemente vergangener Kompositionen aus seiner Feder zurück und hat eine eigenständige Collage zwischen Wiegenlied, Walzer und Polka geschaffen, die an den Komponisten Pjotr Tschaikowski erinnert.

Iwan Jaschkewitsch (* 1923)
Die Kunst der Bearbeitung für das Bajan-Akkordeon des ukrainischen Komponisten, Interpreten und Pädagogen ist international bekannt und berühmt und gilt in seiner Klasse als unerreicht. Weniger bekannt sind jedoch die nicht minder hochkarätigen Originalkompositionen von Iwan Jaschkewitsch, von denen das Ensemble Nata bene hier den „Estnischen Tanz“ vorstellt. Auch hier weiß der Komponist in besonderer Weise die Eigenheiten der verschiedenen Instrumente zu berücksichtigen und ihre Vorzüge und Stärken in eine attraktive Faktur zu bringen. Die Komposition brilliert in ihrer Bescheidenheit; rhythmisch folkloristisch traditionell dargestellt, erscheinen die Landschaften Estlands, wogende Ähren, Flachs und miteinander tanzende Knechte und Mägde.

Alexander Zygankow (* 1933)
In Rußland ist er als herausragender Domraspieler und Komponist berühmt. Zygankow hat eine Vielzahl von Originalkompositionen für das Russische Volksinstrumenten-Orchester geschrieben und zahlreiche Bearbeitungen von Liedern und Tänzen der verschiedenen Nationen und Völker der Welt geschaffen.
In der „Karelo-finnischen Polka“ bedient sich Zygankow verschiedener Motive und Melodien aus dem Volksraum Kareliens und Finnlands. Wladimir Balyk hat die kurze und spritzige Polka dann in der ihm eigenen witzig-einfallsreichen Art effektvoll für „seine“ Besetzung bearbeitet. Auch der zweite Titel von Zygankow – „Dunjascha“ – mit zahlreichen Motiven aus dem Volksmusikalischen ist von Balyk meisterhaft auf seine Musiker zugeschnitten worden. Das phantasieartig angelegte Werk zeigt eine spielerisch-heitere Ausgelassenheit, die den weiten Garten der Musik und der Gefühle ausgiebig durchstreift.

Wladimir Ditel (1907–1979)
Ähnlich wie bei Zygankow war die Volksinstrumentenmusik für Wladimir Ditel das Feld seines künstlerischen Engagements. Er zählte zu den führenden Komponisten für Orchester russischer Nationalinstrumente, der unzählige Volksmelodien aufgegriffen und kunstvoll in musikalische Formen gebracht hat. Der Titel „Korobejniki“ ist inzwischen zu einem Nationallied Rußlands geworden. Der Text stammt aus der Feder des berühmten Russischen Dichters Nikolaj Nekrassow, die Musik ist Jahrhunderte alt und wurde vom Volk geschaffen. Ditel – und letztlich Balyk – haben die Töne zu einem attraktiven und virtuosen Meisterstück zusammengebracht, das dem Hörer die Russische Seele in unmittelbare akustische Erscheinung treten läßt.

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